Der Mythos lebt weiter

Wenige Monate vor Beginn des Ersten Weltkriegs begab sich Ernst Leitz II in die USA. Dort gelangen ihm mit einem zweiten Modell der von Oskar Barnack entwickelten „Liliput-Kamera“ Bilder, die ohne weiteres in einer Geschichte der „Street Photography“ bestehen könnten.

Ab 1914 muss Oskar Barnack einen Prototypen – ihren offiziellen Namen bekam die Leica erst 1925 – vor allem auf Reisen mit sich geführt haben. Vielleicht am bekanntesten, weil immer wieder publiziert, ist die bemerkenswerte Sequenz über das Hochwasser in Wetzlar 1920. 

Das „Selbstporträt in Spiegeln“ gehört zu den bekanntesten Aufnahmen der Fotografin Ilse Bing und gilt als Zeichen für Modernität, technische Aufgeschlossenheit und fotografische Avantgarde.

Oskar Barnack war – lange vor der Leica – ein engagierter Fotoamateur. An vielen Stellen wird über seine fotografischen Aktivitäten berichtet, wobei die schwere Plattenkamera den Anlass für seine Suche nach einem schnelleren, bequemeren Verfahren gegeben haben soll. 

Die Dargestellte Jewgenija Lemberg war eine Zeit lang die Geliebte des Fotografen Alexander Rodtschenko. 1992 erzielte ein Abzug bei Christie’s in London sagenhafte 115.000 Pfund. Rodtschenko setzte Jewgenija Lemberg immer wieder neu, überraschend und kühn in Szene – bis sie bei einem Zugunglück ums Leben kam.

Die Zeppelinaufnahmen von Dr. Paul Wolff und Alfred Tritschler faszinieren bis heute: Sie vereinen eine aeronautische Utopie, eine technische Innovation, ein neues Kamerasystem und einen perspektivisch neuen Blick auf die Welt in kongenialer Weise.

Mit 23 Jahren zog Robert Capa mit seiner Leica für die französische Presse in den spanischen Bürgerkrieg. Am 5. September 1936 gelang ihm das vielleicht bekannteste Kriegsfoto des 20. Jahrhunderts.

Das Bild entstand zwei Jahre nach den großen Streiks, die zu elementaren sozialen Verbesserungen geführt hatten. So gesehen ist das Picknick im Grünen auch und vor allem eine politische Botschaft, dazu formal-ästhetisch überzeugend, in sich stimmig und suggestiv.

Das Bild erschien als Life-Titel und avancierte zu Eisenstaedts wohl bekanntestem Motiv. „Manche Leute“, hat er einmal gesagt, „erzählen mir, dass sie sich an dieses Bild noch erinnern werden, wenn ich längst im Himmel bin.“

Obwohl die Aufnahme inszeniert ist, tut dies dem Erfolg des Motivs keinen Abbruch und behindert seine globale Rezeption in keiner Weise. Die Rote Armee hatte gesiegt. Nichts anderes galt es in ein stimmiges Bild zu übersetzen. 

Smith’ Motiv der „Guardia Civil“ ist auch Symbol für ein unter Franco autoritäres, rückständiges Spanien. Zwei Monate lang hatte er nach einem Dorf gesucht und es mit dem Einverständnis der Bewohner fotografiert. Was er zeigte, war eine fremde Welt: ländlich, archaisch, wie von einem anderen Stern. 

Das Selbstporträt mit Leica schmückte UMBOs Visitenkarte und zählt heute zu seinen bekanntesten Motiven. Ein spätes Stück selbstbewusste Avantgarde.

Das bekannteste Bild des Fotografen Marc Riboud ist längst unverzichtbarer Teil der Paris-Ikonografie. Ribouds Aufnahme ist dokumentarische Fotografie im besten Sinne – en passant erhascht. 

Inge Moraths Bild „London“ ist gut gesehen, klar komponiert, komplex in der Anlage. Es erzählt auch von Herrschaftsstrukturen, von Hierarchien und Traditionen, die in England gewiss stabiler waren als anderswo in Europa.

Louis Stettner ist ein nimmermüder Geist, der bis heute malt, zeichnet und fotografiert. Seine Bilder sind weniger an Geschichten als an Atmosphäre interessiert – und auch deshalb so tief empfunden, ehrlich und voller Überraschungen.

Der Times Square war in den 50er Jahren ein magischer Ort für junge Schauspieler. Dean trägt einen dunklen Mantel, was natürlich dem Wetter geschuldet ist. Doch kann die Art, wie er sich darin „versteckt“, als Indiz für seine Verletzlichkeit gesehen werden

Wer der ältere Herr auf dem Bild ist, bleibt ungewiss. Franz Hubmann hat quasi im Vorbeigehen von oben festgehalten, wie der Gast mit spitzen Fingern die Tasse balanciert – kein Blitz, keine Unruhe, keine Inszenierung.

Mehrere Wochen begleitete Bruce Davidson einen Wanderzirkus. Im Zentrum der Fotostory steht der „Little Man“ Jimmy Armstrong und dessen tragikomische Rolle. Davidsons rauer, atmosphärischer Available-Light-Stil kommt formal-ästhetisch der großen Melancholie, die über Jimmys Geschichte liegt, entgegen.

Als am 29. Juni 1960 ein junger Kongolese den Degen des Königs vom Rücksitz des offenen Wagens greift, gelingt Robert Lebeck das Bild seines Lebens. Das Foto wird zur Metapher für die zu Ende gehende Vorherrschaft der Europäer auf dem afrikanischen Kontinent.

Ob als Postkarte, Poster, Sticker oder T-Shirt – Kordas Aufnahme hat den Globus erobert und wurde zum identitätsstiftenden Symbol. Die Schlichtheit mit einer der christlichen Ikonografie geschuldeten Anmutung hat die Merkfähigkeit des Motivs unterstützt. 

Eigentlich war Mack nach Afrika gereist, um als Reporter den von Kriegen und Massakern erschütterten Kontinent zu erkunden – doch es kam anders: Wie in Ekstase fotografierte Mack eine Herde wilder Pferde und warf sich regelrecht unter die Tiere.

Hoepkers Porträt des Boxers Muhammad Ali gehört zu den Bildern, die um die Welt gegangen sind. Die Aufnahme entstand im Herbst 1966 in einem Boxstudio in London.

Fred Herzog zählt zu den Pionieren einer freien künstlerischen Farbfotografie. Vielleicht brauchte es das Staunen und die Neugier eines Einwanderers, um in Farbe das zu dokumentieren, was den Bewohnern Vancouvers selbstverständlich und kein Foto wert war.

Das Foto der kleinen Kim Phúc Phan Ti mehrte vor allem in den USA Zweifel an einem Krieg, der zunehmend die Zivilbevölkerung betraf. Das Bild visualisiert Schrecken und Leid, ohne dabei hässlich zu werden. Und transportiert Dramatik, ohne allzu komplex gebaut zu sein. 

Elliott Erwitts Leidenschaft galt Hunden – dabei waren sie für ihn die Inkarnation menschlicher Wesen mit Fell und Schwanz. Sein Bild „New York City“ entstand für einen Schuhhersteller.

San Cristobal zeigt einen Swimmingpool für Pferde. Burri meidet weitgehend alles Anekdotische zugunsten einer farblich delikaten Komposition, in der ein Pferd mit Betreuer eher den Charakter einer Fußnote bekommt.

Francks Schwimmbadfoto ist dem Zufall, dem ordnenden Blick und dem reaktionsschnellen Auslöser der Leica M geschuldet. Bilder wie dieses hatte sie nicht gesucht, sondern gefunden. Es sind Glückstreffer, die ohne Neugier und ein waches Auge kaum denkbar gewesen wären. 

Gruyaert gilt als Vorreiter einer dokumentarisch interessierten Farbfotografie in Europa. Seine Bilder sind überlegt gebaut und streng komponiert – buchstäblich bis zum Äußersten. 

Berengo Gardins gilt als Klassiker der Leica Fotografie: Seine Bilder in Schwarzweiß sind reaktionsschnell erfasste Streiflichter aus dem Alltag, visuelle Kammerspiele von großer formal-ästhetischer Finesse, mal komplex, mal fein-ausgewogen.

Herlinde Koelbls großes Thema ist der Mensch, sein Körper und sein Gesicht, wobei sie gerne klassische Gattungsgrenzen überwindet. Ihr Porträt der Münchner „Bussi-Gesellschaft“ ist nichtsdestoweniger Reportage oder Dokumentation.

Alex Webbs Interesse zielt auf starke Farben, die so etwas wie den Hintergrund für seine gerne mal bizarren, absurden und kuriosen Geschichten bilden. 2000 wurde er mit der Leica Medal of Excellence ausgezeichnet.

„Perfect Peace“ war Kai Wiedenhöfers erstes Buch, ihm ist auch dieses Bild entnommen. Es entstand im Juni 1994 am Strand von Gaza und zeigt die Kehrseite des Krieges: eine Zukunft, in der perfekter Frieden möglich ist. 

Mermelstein baut auf natürliches Licht und das Ausdrucksmittel Farbe. Er hält sich eher im Hintergrund, beobachtet aus der Distanz und zeichnet auf – was nicht ausschließt, dass ihn die Protagonisten ab und an bemerken.

Gilden bewegte sich auf dem Terrain des Porträts, ohne dass dabei seine Werke gestellt oder inszeniert wirken. Sein Menschenbild schöpft aus dem Fluss des Lebens, der Hektik des Alltags oder – wie bei „Go“ – den Abgründen von Gewalt, Mafia und Korruption. 

Womöglich ist „American Color“ tatsächlich Constantine Manos’ bis dato beste Arbeit. Starke, kräftige Farben, kühne Anschnitte, ein präziser Blick und ein Gefühl für bizarre Momente zeichnen sie aus.

François Fontaine beschreibt sein künstlerisches Anliegen wie folgt: „Es ist eine farbenfrohe und traumhafte fotografische Arbeit, in der Glamour und Spannung damit ringen, eine vibrierende Hommage an die Filmkunst hervorzubringen“.